CUSCO

El descubrimiento fue realizado por un equipo multidisciplinario encabezado por la doctora Margaret Najaro y el magíster Ronald Camara, quienes localizaron los antiguos “libros becerro”, documentos elaborados sobre papel rústico y protegidos durante siglos en el Archivo Regional del Cusco. Según los especialistas, estos escritos ofrecen información inédita sobre la organización territorial, política y económica de Machu Picchu durante el periodo colonial temprano.

El director del ARC, Edwin Berduzco Torres, explicó que los documentos incluyen testimonios de descendientes de la nobleza inca, entre ellos un nieto de Túpac Yupanqui, quien describiría la ubicación y administración de Machu Picchu. De acuerdo con las investigaciones preliminares, el santuario no habría permanecido “perdido” durante más de 400 años, como se difundió tras la expedición de Hiram Bingham en 1911, sino que continuó siendo conocido y administrado por familias locales.

Los especialistas también analizan la presencia de los llamados “topus”, sistemas de división territorial utilizados por los incas para organizar sus dominios. Para profundizar el estudio geográfico del área, el Archivo Regional del Cusco coordina investigaciones con expertos de la Universidad de Praga, quienes apoyarán en el análisis de mapas satelitales y en el proceso de digitalización de los manuscritos.

El proyecto contempla además la publicación de una investigación completa sobre los hallazgos y la posible declaración de estos documentos como Patrimonio Cultural de la Nación y Patrimonio de la Humanidad. Asimismo, se prevé que los históricos “libros becerro” formen parte de un circuito turístico y cultural en Cusco.

Actualmente, el Archivo Regional del Cusco construye una nueva sede especializada con una inversión de 18 millones de soles. El moderno edificio contará con sistemas de conservación, seguridad y digitalización para resguardar documentos históricos desde la época virreinal hasta la actualidad.

Primo Levi creó una de las grandes obras literarias del siglo pasado, basada en sus durísimas experiencias cuando fue el preso 174517 —“mi nombre de cuando no tenía nombre”— en Auschwitz. El rasgo principal de “Si esto es un hombre” es que Levi escribió sobre el horror como si el horror no existiera, creando una estética sobria sobre las atrocidades vividas, logrando la unidad de actitud ética y estilo literario.

Químico de vocación y profesión, el suave, escéptico y acicalado Levi no temió nunca que las generaciones futuras no compartieran su sufrimiento, sino que no reconocieran la verdad. Nacido en Turín, de origen judío, fue uno de los partisanos detenidos en el valle de Aosta en febrero de 1944 y encerrado en un vagón de mercancías con 600 personas más. 525 de ellas, no aptas para trabajar acabaron en la cámara de gas a su llegada al campo de concentración. Un año después, el comandante soviético que liberó el campo le encargó un informe al respecto, que Levi escribió con Leonardo Debenedetti, médico turinés deportado a Auschwitz en el mismo convoy, también otro de los escasos sobrevivientes. Juntos coincidieron en Katowice, tras ser liberados y regresaron a Turín después de otra serie de interminables padecimientos, que Levi narra en “La Tregua”.

Así nació Informe sobre Auschwitz, el germen de “Si esto es un hombre”. “Yo volví del Lager con una carga narrativa incluso patológica” -escribió Levi, que asumió la obligación moral de dar testimonio en nombre de los silenciados con precisión, firmeza y esencialidad en la forma, a tal punto que rechazó la primera traducción castellana de su obra, por ser poco correcta, lo que retrasó su difusión. “Corresponde al escritor hacerse entender por parte de quien desea comprenderlo: es su oficio, escribir es un servicio público… me causaría incomodidad o dolor que el lector no comprendiera línea por línea lo que he escrito. O, mejor, lo que he escrito… puesto que todos nosotros, los vivos, no estamos solos, no debemos escribir como si lo estuviésemos. Tenemos una responsabilidad, mientras vivamos: debemos responder por cuanto escribimos, palabra por palabra, y hacer que cada palabra dé en el blanco…hablarle al prójimo en una lengua que no puede entender…es…un antiguo artificio represivo…Es una forma sutil de imponer el propio rango”.

Con excepción de Italo Calvino, su gran amigo, no frecuentó ni fue bien recibido en los círculos literarios, de modo que estuvo en el limbo durante décadas… El abstruso Georges Perec, cuyos padres murieron en un campo nazi, escribió al respecto: “la experiencia de un deportado es incapaz por sí sola de engendrar una obra de arte”. Su malestar con la identidad literaria se evidencia al publicar un volumen de relatos en 1966 con el seudónimo de Damiano Malabaila. En él figuran Plomo y Mercurio, luego incluidos en “El Sistema Periódico”, microhistorias o la historia de un oficio y sus fracturas, triunfos y miserias -Leevi dixit-. “En todo el mundo los seis años de destrucción y guerra habían provocado una regresión en muchas costumbres cívicas, así como atenuado muchos reflejos, entre ellos y en primer lugar, el reflejo de la decencia”. Dedica “Vanadio” a narrar su rencuentro, en 1967, con el químico Muller, uno de sus carceleros. O “Hierro”, a un amigo partisano asesinado por un mercenario adolescente.

Levi, que había sobrellevado su cruda experiencia con “el interés antropológico de vivir de una manera completamente distinta y el interés, que nunca flaqueó, por el ánimo humano”, fue una figura pública conocida y popular en su país, ejerciendo como testigo -no como víctima-desde 1984 hasta 1987. El 11 de abril de ése año fue hallado muerto. Para la mayoría, fue un suicidio más o menos anunciado en “Los hundidos y los salvados” o en tantas de sus entrevistas: “Me siento más cerca de los muertos que de los vivos y avergonzado de ser hombre, por ser los hombres quienes habían edificado un lugar como Auschwitz”. Otros, como la bióloga Rita Levi-Montalcini o William Styron, opinaron que fue un accidente. Styron, aquejado de depresión como Levi, atribuyó su muerte a un error en la medicación.

Los estudiantes de lingüística estamos acostumbrados a analizar cómo el lenguaje refleja y construye realidades sociales. En ese sentido, me parece interesante observar que en nuestro país en la actualidad se habla tanto de crisis de valores, desconfianza en las instituciones y pérdida de vínculos comunitarios. Todos estos fenómenos no son solo cuestiones políticas o culturales, también son expresiones de un problema más profundo que la sociología ya había identificado: la anomia.

La anomia, según Durkheim, es ese estado en el que las normas pierden fuerza y las personas quedan sin referentes claros para guiar su conducta. Hoy, con tantos cambios en la economía, la política y la cultura, parece que vivimos precisamente algo así. Por eso, sostengo la siguiente tesis: la sociedad contemporánea se está volviendo anómica porque los cambios acelerados en la economía, la política y la cultura han debilitado los sistemas normativos y los vínculos comunitarios, favoreciendo la primacía del individualismo sobre la cohesión social.

La anomia en la teoría sociológica

Émile Durkheim explicó que la anomia aparece cuando la sociedad deja de ofrecer normas claras para orientar la vida de los individuos. Sin reglas estables, las personas experimentan confusión, vacío y desorientación.

Hoy en día podemos ver esto en la precarización del trabajo, en la falta de confianza en la política o en la sensación de que “cada uno se las arregla como puede”. Como señala Morlino, la pérdida de legitimidad de las instituciones políticas alimenta esta percepción. Frente a esa falta de cohesión, los estudiantes, los trabajadores y los ciudadanos en general suelen priorizar el interés individual antes que el colectivo. Es decir, vivimos una tendencia hacia el individualismo que se refleja en los usos “yoistas” del lenguaje y encaja muy bien con la definición clásica de anomia.

Cultura líquida y debilitamiento de los valores colectivos

Zygmunt Bauman habló de la modernidad líquida para describir un tiempo en el que los vínculos son inestables y fácilmente reemplazables. Este concepto ayuda a entender por qué hoy es tan difícil hablar de valores colectivos duraderos.

Por ejemplo, en las redes sociales se privilegia la imagen personal sobre el compromiso con la comunidad. Como muestra Turkle, aunque las tecnologías nos conectan, en realidad refuerzan la soledad y el narcisismo. El discurso del “yo” se ha impuesto sobre el del “nosotros”, debilitando los lazos que antes sostenían a la sociedad.

Del mismo modo, Lipovetsky explica que en la “sociedad del vacío” las personas buscan satisfacción inmediata y consumo rápido, dejando en segundo plano el sentido de pertenencia. Esto hace que las normas colectivas parezcan menos relevantes frente a los deseos individuales, lo que encaja de nuevo con la idea de anomia.

Consecuencias políticas de la anomia contemporánea

La anomia no es solo un tema cultural, también afecta a la política. Cuando los ciudadanos perciben que los gobiernos son corruptos o que las reglas no se cumplen, la confianza en las instituciones desaparece. Como afirma Morlino, las democracias actuales enfrentan una crisis de legitimidad que debilita la participación ciudadana.

En este contexto, cada grupo social busca solo defender sus intereses inmediatos. La política deja de ser un espacio para pensar en el bien común y se convierte en un campo fragmentado. Esa lógica refuerza la idea de que “nadie más se ocupa de mí”, por lo que lo único que queda es cuidarse a uno mismo. Esta es otra forma en que la sociedad actual se desliza hacia la anomia.

La revisión de autores como Durkheim, Bauman, Lipovetsky, Turkle y Morlino muestra que, desde diferentes perspectivas, se llega a la misma conclusión: las normas colectivas han perdido fuerza y las personas tienden a refugiarse en el individualismo. Como estudiantes de lingüística, podemos observar que el lenguaje mismo refleja esta tendencia, pues cada vez son más comunes expresiones centradas en el “yo” antes que en el “nosotros”.

La gran pregunta es cómo revertir este proceso. Tal vez la respuesta esté en recuperar la importancia de la amistad, de la comunidad barrial, formar grupos de apoyo, redes whatsapp de seguridad ciudadana, reconstruir la confianza en las instituciones más cercanas y promover un equilibrio entre lo individual y lo colectivo. Solo así podremos evitar que la anomia se convierta en el estado natural de nuestra sociedad.

(Escuela de Literatura y Lingüística UNSA)

Las exposiciones de abril en las salas del Complejo Cultural de la Universidad Nacional de San Agustín mostraron una saludable inclinación a la diversidad iconográfica de la cultura visual arequipeña, que, en comparación con la pauta general de anteriores gestiones, da unos pasos sensibles hacia la modernidad.

En el vistoso conjunto destacó la colección de Marco Ángles García titulada “Signo y Símbolo”. Aunque habíamos visito algunas de sus imágenes por los pasillos virtuales de las redes, ahora, reunidas en un solo espacio, las obras de Ángles componen una totalidad que muestra mejor la compleja subjetividad del autor y su arquitectura barroca.

El conjunto recorre entre dos extremos: del orden formal milimétrico de los espacios rectilíneos por el que deambulan seres fantásticos, al caos pictórico y compositivo de las manchas gestuales de color. Las isotopías del abigarrado conjunto son, sin embargo, también notorias: cada cuadro intenta interpretar un mundo imaginario compuesto por indicios, iconos y símbolos de una exasperante vibración conceptual.

Empezando el recorrido por la izquierda hallamos “Mundo insomnio espejo”, que es una especie de plano ideal del equilibrio momentáneo, vamos luego a descender rápidamente hacia la descomposición de la fantasía en los siguientes cuadros, explosivos, perturbadores, plenos de colores sólidos y figuras exasperantes que irrumpen entre las rectas del campo visual y lo desorientan sin temor. La muestra en conjunto se torna alucinante, palpita y se estremece. Aunque en la última sala reaparezca un nuevo intento de equilibrio monocromático y lineal (“Un segundo, un millón”), el vértigo reina.

Pocas exposiciones se aventuran más por los espacios de la subjetividad y la fantasía como esta, que arriesga en el mullido repertorio local una aventura plástica desafiante y enajenante al mismo tiempo.

La exposición de Clara Best muestra la dualidad de la Amazonía

Por: Daniela Nickole Santander

Hay exposiciones que no se quedan en una sala, permanecen en la memoria y la consciencia de quienes toman interés en lo que ven. Ese es el caso de “Visión Amazónica”, de la artista Clara Best Núñez, presentada en el Centro Cultural de la UNSA en el mes de abril , una propuesta que puso en el centro no solo la belleza de la Amazonía, también su fragilidad.

“El proyecto ‘Visión Amazónica’ hace referencia a una mirada sobre la realidad en la Amazonía peruana, existe la biodiversidad y riqueza cultural, pero paralelamente, los problemas sociales y ambientales”, añade la artista evidenciando esa dualidad que atraviesa toda su obra.

Su vínculo con este territorio no es reciente. Desde el 2015, Clara ha trabajado con comunidades originarias, una experiencia que transformó su mirada. “Al principio me interesaba aprender sobre sus técnicas y cosmovisiones, pero luego me percaté de la importancia de la naturaleza para estas comunidades, porque coexisten con ella”, señala.

Esa conexión se traduce también en la forma en que construye sus piezas. “Estoy investigando técnicas como el teñido natural, la estampación botánica y el bordado”, comenta. Sin embargo, lo que marca un giro en su trabajo es la integración de la fotografía. “Me interesa utilizarla porque quería mostrar imágenes documentales de la situación de la Amazonía, sin dejar de lado materiales sostenibles, orgánicos y reciclados” agrega Best.

El resultado son obras que mezclan lo visual con lo táctil, lo documental con lo simbólico. “Desde el 2024 estoy mezclando textil con fotografías a color con diferentes técnicas en base al collage”, explica, reconociendo que este proceso ha sido también un reto personal.

Otro elemento importante en su propuesta son los formatos circulares. “Hacen referencia a visiones satelitales, no son mapas sino avistamientos de diferentes planos de la realidad, también tiene que ver con las perspectivas de comunidades originarias, donde el tiempo y el espacio se tejen de formas distintas” detalla la artista.

En ese tejido visual también aparecen figuras como la Yacumama o el Ronin. “Son entidades protectoras de la naturaleza, elementales que observan nuestras acciones”, menciona. Sin embargo, aclara que su intención no es quedarse en lo mítico.

“Mi obra busca plasmar más lo que sucede en nuestro plano tangible en la actualidad”

Para la artista, su obra tiene una misión. “Creo que puede sensibilizar a la población sobre las problemáticas sociales y ambientales que se viven en la Amazonía. También es importante valorar nuestra riqueza cultural y la biodiversidad que posee el Perú” señala Best.

Esta exposición no solo se queda en la contemplación de las obras, invita a reflexionar y empezar a tener más respeto a nuestro medioambiente. «Desde nuestra práctica individual, podemos consumir menos, reutilizar y reciclar todo lo que podamos; desde la práctica colectiva, debemos exigir a las autoridades la preservación de nuestras zonas naturales. Somos ecodependientes, no podemos vivir sin agua, aire o tierra. La destrucción de la naturaleza es la destrucción de la humanidad” afirma Best Núñez, en un llamado a no ser indiferentes frente a lo que está perdiéndose en nuestro entorno.

Por: Daniela Nickole Santander

El Día de la Madre es el momento perfecto para compartir experiencias que queden en la memoria. En Arequipa, hay una agenda cultural gratuita para que puedas celebrar a mamá de una forma diferente, entre música, cine y palabras que nacen del corazón.Una de las primeras opciones es el cine.

El Cine Club Municipal, proyectará la reconocida película Todo sobre mi madre (1999), dirigida por Pedro Almodóvar. Esta historia, ganadora del Óscar a Mejor Película Internacional, aborda temas como la maternidad, el duelo y la resiliencia, convirtiéndose en una propuesta ideal para reflexionar y emocionarse junto a mamá. La función será el 6 de mayo a las 5:00 p.m. en el Teatro Arequepay, con ingreso libre hasta completar aforo.

La música también se hace presente. El 7 de mayo, el Patio del Centro Cultural de la UNSA será escenario del Recital de Gala “Madre”, organizado por la Tuna Universitaria San Agustín. Desde las 6:00 p.m., el público podrá disfrutar de una velada especial dedicada a homenajear a mamá a través de melodías tradicionales en un ambiente lleno de emoción.

Para quienes buscan una experiencia más participativa, la Biblioteca Regional Mario Vargas Llosa abre un espacio especial con el evento “Mamá, esto es para ti”. Este encuentro invita a hijos e hijas a dedicarle a mamá poemas, cartas o canciones en vivo, en una celebración íntima y significativa. La cita es el 7 de mayo a las 3:00 p.m., con inscripciones previas, y también contará con transmisión virtual para quienes no puedan asistir de manera presencial.

Además, el 9 de mayo, la música clásica será protagonista con el recital de la Orquesta Brahms en el Teatro Arequepay, desde las 4:00 p.m., una alternativa perfecta para cerrar la semana con una experiencia artística de alto nivel.

Este año, Arequipa propone celebrar a mamá compartiendo tiempo, emociones y cultura. Porque más allá de los regalos, lo que realmente queda son los momentos vividos juntos.

La propuesta de la joven artista rechaza que el espectador sea un simple observador pasivo y, a través de juegos y dinámicas, obliga a debatir sobre la realidad social del país.

Alessandra Leiva, de 24 años, representa una de las voces emergentes de la plástica moderna arequipeña. Egresada de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de San Agustín (UNSA), su trabajo reciente ha logrado trascender el circuito local al consolidarse como finalista del Premio ICPNA de Arte Contemporáneo. En su primera exhibición individual «De política no se habla en la mesa» y con una postura firme frente al conservadurismo estético, la joven creadora busca transformar la “apreciación pasiva” de las galerías en una herramienta activa de debate social.

IS. «De política no se habla en la mesa», ¿por qué el nombre?

AL. -Es un dilema conocido y realmente irónico, porque socialmente nadie quiere discutir libremente de ideologías porque piensan que van a pelearse. A veces tú no esperas que amigos tuyos, conocidos o familiares tengan conceptos extremistas o que ignoren ciertas situaciones; entonces se genera un choque que la gente simplemente prefiere evitar.

¿Cómo fue el proceso de aterrizar la abstracción de tus ideas iniciales en objetos físicos?

-Primero tuve la intención de hacer una exposición militante porque el siguiente año son elecciones, así que le propuse la iniciativa a la Alianza Francesa. Claro que había varias proyectos maquetados que no llegaron, porque en el proceso sufren cambios por limitaciones de material, de tiempo, o simplemente encuentras una noción mejor. Me gusta discutir mis ideas locas con amigos, y si me dicen que no lo entienden, sé que debo cambiar algo para no caer en ese «esnobismo de ser una artista incomprendida».

Pasamos de una exposición de tus cuadros, una visita guiada, un taller de origami, y cierras esta presentación con un torneo de juegos de tablero. ¿Cómo llegas a esa instancia?

-Con mi amigo, el diseñador Ken Pacheco, armamos todo el juego. La idea del mismo es usarlo como una excusa para obligar a que le preguntes a otras personas sobre temas gubernamentales. Yo no le tenía tanta fe al inicio, pero terminó siendo de las cosas que más ha gustado de la muestra; la gente se sentaba y se ponía a discutir en el tablero, logrando exactamente el objetivo final de la entrega.

La primera muestra individual reúne tres grabados. Cuatro pinturas bajo las técnicas del óleo, acrílico y collage. Dos instalaciones muy bien plasmadas cierran el conjunto.

¿Con qué sensación te quedas después de ver cómo el público ha dialogado con tu trabajo durante estas semanas?

-Muy contenta, porque quería escapar un poco de esa típica exhibición donde entras, observas callado y te vas. Quería que participen, que haya iniciativa de su parte. Por ejemplo, con las grullas de papel, la intención era que todos pudieran escribir y poner su deseo para el Perú, y que el resultado final sea un anhelo colectivo.

¿Hubo alguna reacción, interpretación o comentario que te haya sorprendido o hecho ver tu propio quehacer desde otro ángulo?

-Sí, me pareció muy curioso cuando alguien, viendo la instalación «Arequipa, la ciudad marrón», la entendió súper bien e incluso se acercó al cuadro para comparar su propio tono de piel con los tonos de la pieza. Me gustó mucho que el público hiciera interactivo algo que, originalmente, solo era una pintura plana en la pared.

¿Cómo fue tu primer acercamiento a la cultura? ¿Hubo algún “punto de inflexión” que te hiciera cuestionarte cómo veías la estética?

-Hubo un tiempo en el que tenía esperanza en el academicismo y todo eso que te inculcan en los primeros años de la carrera. Pero tuve un choque un poco duro con la realidad cuando estaba en cuarto año y me fui de intercambio a la PUCP. Tuve un encuentro de cerca con el mundo real de la disciplina en Lima. Siento que aquí estamos un poco atrapados en el modernismo, a lo mucho rasgando el posmodernismo en la UNSA. Al volver, sentí ese impacto.

¿De qué te nutres culturalmente? ¿Qué lecturas, movimientos urbanos, música o referentes visuales han moldeado tu forma de ver el mundo?

-Siento mis piezas como un collage de ideas, me gusta coger palabras o conceptos de otros. Me guío mucho de mi admiración hacia Juan Javier Salazar; por ejemplo, su producción de ‘Perú, país del mañana’ con los «perucitos» como peluches. En cuanto a lecturas, me nutro bastante de Guy Debord, Boris Groys y también de César Vallejo. Es el autor peruano que más admiro.

¿Cómo sientes que se encuentra el panorama artístico en Arequipa hoy por hoy?

-Es muy complicado. Aquí no hay una cultura de coleccionar propuestas contemporáneas, ni siquiera entre la gente que tiene el nivel socioeconómico para comprarlo. Tampoco hay salas comerciales reales; hoy por hoy solo existen cafés o espacios compartidos que te ponen el precio, pero eso no genera un verdadero mercado que permita sostener al autor a largo plazo.

¿Hacia dónde apunta ahora tu mirada creativa luego de esta exposición?

-Quiero mover más mi talento hacia los entornos públicos. Un gran problema de las salas es que funcionan como una «cámara de eco»: siempre va a ir el mismo tipo de personas a verte. Yo quiero intervenir en el espacio urbano, que la propuesta esté ahí y que, de la nada, alguien que camina distraído por la plaza se cruce con ella y reaccione.

Por: Danna Felipe B.

La historia del maestro que enseñó a leer y escribir al Perú, Everardo Zapata Santillana, se estrenará en la pantalla grande este 2026. Coquito es una película para toda la familia: niños y niñas que hoy aprenden lectoescritura con el libro del nonagenario arequipeño, y padres de familia que en su momento lo hicieron y hoy acompañan a sus hijos en sus primeros pasos hacia la grandeza.

Eduardo Guillot, director de la cinta, comparte el honor que siente al dirigir el filme del Amauta arequipeño. Por ello, él y todo su equipo esperan emocionar a las familias a finales del presente año.

Guillot Meave es un convencido de que las historias siempre buscan a su director. Cuando el guion de “Coquito, la película” llegó a sus manos, supo que debía llevarla al cine.

“Yo siempre creo que las historias buscan a uno. Esta historia me llegó, me pareció bonita y estamos encaminados a hacerla bien. Hacer una película siempre es un reto en todo sentido y yo tengo el honor de dirigir una basada en el maestro Everardo”.

La película se está grabando íntegramente en Arequipa. “Yo me dije: esta película tiene que ser grabada en Arequipa sí o sí, porque es el lugar donde el maestro nació y trascendió”. Es así que un gran equipo se encuentra recorriendo distintos puntos de la ciudad, como la Plaza de Armas, el puente Bolognesi y la estación ferroviaria. Asimismo, se desplazarán a la provincia de Islay: “Estaremos en Punta de Bombón, Mollendo, Mejía y Cocachacra, distrito de donde es natural Everardo”.

Eduardo Guillot afirma que en escena participa un gran elenco integrado mayoritariamente por arequipeños.

“Coquito cobra vida en la película. Es un personaje interpretado por un niño de Arequipa. Tenemos muy buenos actores locales; me he quedado sorprendido con su nivel actoral y el interés que tienen por hacer cine y teatro. Eso me parece muy bueno”.

Como toda buena historia, los personajes de Coquito conmoverán al público con su humanidad, en una trama basada en la vida y obra del maestro que ha enseñado a leer no solo al Perú, sino que cruzó fronteras con su método del español, el idioma más transparente del mundo porque se lee como se escribe y se escribe como se lee.

“Queremos que emocione y que cada espectador saque su propia conclusión sobre quién es Everardo y su legado, que continúa siendo base de la educación nacional. Es una película familiar. He conversado con mujeres que aprendieron con el libro y ahora enseñan a sus hijos con el mismo. Eso es lo fabuloso: una historia que reúne a muchas generaciones”.

El rodaje proyecta finalizar a mediados del próximo mes para iniciar la etapa de posproducción, donde se ensambla y perfecciona el material. Guillot Meave comparte que han sido meses de arduo trabajo y que no habrá mayor recompensa que ver a las familias satisfechas al salir de los cines a finales de año.

“Todos los arequipeños se van a sentir muy contentos; es un homenaje a un hombre importante de su tierra. Al resto del Perú, decirles que verán una región linda con locaciones geniales. Agradezco el apoyo de las empresas al cine. Lo que nos interesa es hacer un buen trabajo y ojalá todos puedan apreciar Coquito”, finalizó el director.

La Festividad de la Santísima Cruz del 3 de mayo ha sido declarada Patrimonio Cultural de la Nación.

La Festividad de la Santísima Cruz del 3 de Mayo de Huancané se inicia con la ascensión al calvario Poqopaqa el 1 de mayo. La subida comienza a las 2 de la tarde, llegando alrededor de las cinco al centro, lugar donde permanece la Cruz Grande. Durante esa noche y la madrugada del día siguiente, se realiza la velación de esta cruz en el cerro.

Es importante anotar que, simultáneamente, se velan otras cruces en la cumbre: la segunda Cruz (o Cruz de la Punta) y la Cruz de los Maestros, ubicada en el Bosque. Al amanecer del 2 de mayo, se organiza el descenso de la Cruz para celebrar una misa en el actual Mercado de Huancané, espacio que reemplazó a La Pampa como sede de esta liturgia.

Posteriormente, los fieles se dirigen a la Plazuela Grau. Allí, las diversas cruces son adornadas en andas para ser trasladadas, a partir de las 2 de la tarde, al Templo Mayor Santiago Apóstol. Las imágenes permanecen en el templo hasta el día siguiente, cuando se lleva a cabo la Solemne Procesión de Fiesta, que recorre desde el atrio del templo hasta la casa del Alferado.

En la actualidad, la festividad se extiende por cinco días, donde abundan la comida y la cerveza para los invitados, quienes bailan por calles al compás de los sikuris. Debido a su complejidad, esta tradición no solo exige una descripción cronológica, sino también un análisis de los vínculos sociales que genera. Este acontecimiento cobra cada vez más relevancia, expandiendo su influencia a ciudades como Arequipa, Lima, Cusco y Puno.

¿DESDE CUÁNDO SE FESTEJA LA SANTÍSIMA CRUZ DE MAYO?

Esta celebración se remonta a la construcción del templo de Santiago Apóstol de Huancané. Según la documentación de la época, la edificación comenzó en 1674 bajo la dirección del maestro albañil Pascual José de la Fuente, quien recibió por el trabajo la suma de 2 800 pesos corrientes.

De acuerdo con la cosmogonía andina, un campesino halló parte de la cruz que se custodia en el templo de Carabuco (Bolivia). Dicha versión goza de gran aceptación, ya que se identifica como el madero donde falleció Thunupa. Por otro lado, existe el relato de un pastor que descubrió la imagen en el cerro Poqopaka (Huancané), origen de lo que hoy se conoce como la Cruz de Mayo.

PATRIMONIO CULTURAL DE LA NACIÓN

Cabe destacar que el profesor Leoncio Mamani Coaquira impulsó la declaratoria de la Festividad de la Santísima Cruz del 3 de mayo de Huancané como Patrimonio Cultural de la Nación, lograda el 2 de septiembre de 2015 mediante la Resolución Viceministerial N.º 122-2015-VMPCIC-MC.

Además, la Festividad de la Santísima Cruz es también una expresión de identidad cultural. A través de ella se transmiten valores, conocimientos y prácticas de generación en generación. Las danzas, por ejemplo, no solo tienen un componente estético, sino que narran historias, simbolizan luchas y representan la cosmovisión de los pueblos andinos.

La declaratoria como Patrimonio Cultural de la Nación reconoce precisamente este valor intangible. No se trata únicamente de preservar una festividad, sino de proteger un conjunto de saberes, creencias y prácticas que forman parte del tejido social del país. En un contexto de globalización y cambios acelerados, este reconocimiento busca fortalecer la identidad cultural y promover el respeto por la diversidad.

Sin embargo, la preservación de esta festividad enfrenta desafíos. La migración, la urbanización y la pérdida de interés de las nuevas generaciones pueden poner en riesgo su continuidad. Por ello, es fundamental que tanto las autoridades como la sociedad civil impulsen acciones de salvaguarda, como la educación intercultural, el apoyo a las comunidades organizadoras y la difusión de estas tradiciones.

Asimismo, la festividad tiene un importante potencial turístico. Cada año, miles de visitantes nacionales y extranjeros acuden a las distintas localidades para presenciar las celebraciones. Esto genera oportunidades económicas para las comunidades, pero también plantea la necesidad de un manejo responsable que evite la mercantilización excesiva o la pérdida de autenticidad.

En Arequipa, por ejemplo, la celebración de la Santísima Cruz se vive con especial fervor en distritos tradicionales y zonas rurales, donde las cruces son llevadas en procesión entre cantos y oraciones, acompañadas de danzas típicas y compartir comunitario. Estas expresiones reflejan el vínculo profundo entre fe, cultura y territorio.

La Festividad de la Santísima Cruz es, en esencia, una manifestación viva que resume la historia y la diversidad del Perú. Su reconocimiento como Patrimonio Cultural de la Nación no solo es un acto simbólico, sino un compromiso colectivo para proteger y valorar una tradición que sigue latiendo en el corazón de sus pueblos.

En este mes de abril, viene concitando gran interés en Arequipa “Soliloquio de una Soledad: Metamorfosis del Ser”, una muestra plástica de la artista Yurema Rodríguez Ramos quien nos presenta, en esta ocasión, una singular propuesta que contiene además de una rica narrativa, un eje temático del que se desprenden diferentes niveles de sentido y significación que ofrecen al espectador diversas posibilidades interpretativas.

En la propuesta, destacan claramente, desde el punto de vista semiótico unos componentes de gran relevancia: Las alas de las mujeres que tienen una función simbólica fundamental; presentar la metamorfosis de la mujer en su proceso de tránsito del medio rural al medio urbano, un proceso que sigue tres fases: fragmentación, vulnerabilidad y reconstrucción. Tiene dos aristas una social y una psicológica que se fusionan en un fenómeno dentro del espectro social.

“Soliloquio de una Soledad: Metamorfosis del Ser” se sustenta sobre algunas de las ideas de la Filosofía Neo Marxista y de la Psicología Científica, particularmente del corpus de la corriente psicoanalítica.

La apuesta se basa en las ideas de los filósofos de la Escuela de Fráncfort, de modo particular en las concepciones de Theodor Adorno y Max Horkheimer quienes en su libro “Dialéctica de la Ilustración” sostienen que el cuerpo de la mujer se convierte en un aparato de poder dentro del capitalismo y la sociedad patriarcal. La interesante exposición se cimienta también en las concepciones del psicoanálisis del famoso francés Michel Foucault quien en su libro “Historia de la Sexualidad” se ocupa del cuerpo de la mujer como herramienta política y de control social. Introduce, también el concepto de biopolítica.

En estos días, tuve la oportunidad de coincidir con Yurema Rodríguez, conocida artista que nos presenta en esta novedosa propuesta por medio de un lenguaje surrealista y de atmósferas oníricas, narrativas visuales que comprenden lo íntimo, lo simbólico y lo contemplativo de la realidad femenina, una realidad que se relaciona con la soledad, la metamorfosis emocional y la fragilidad del ser

Yurema, tiene una actividad profesional que comprende el dibujo, la pintura, la cerámica en frío y el grabado. Realizó sus estudios en la Escuela Profesional de Artes de la Universidad Nacional de San Agustín. Es fundadora del Colectivo Samo y cofundadora de Casona Somnaria, espacios dedicados al impulso de proyectos artísticos. Va la entrevista. 

¿Cómo te inclinaste por el camino del arte?

Mi amor por el arte surgió desde muy pequeña. Siempre sentí curiosidad por los talleres y cursos de dibujo y pintura. Ese interés creció gracias a una maestra que tuve en el colegio que nos enseñó diversas técnicas y nos introdujo en diversas corrientes   artísticas. Fue a los 15 años, cuando comencé a considerar estudiar arte de manera seria. 

¿Cuáles son tus mayores influencias?

Mis principales influencias son Remedios Varo y Leonora Carrington, pero, también han sido muy importantes Dorothea Tanning y Tilsa Tsuchiya.

En la muestra se pueden encontrar ciertos elementos o ambientes inspirados en las obras de estas artistas. Por ejemplo, en la pintura “En el umbral” tomé como referencia la pieza “Papilla estelar” de Remedios Varo, que es una de mis obras favoritas, especialmente en la composición del espacio y el uso de las nubes.

 ¿Por qué Soliloquio de una Soledad: metamorfosis del Ser?

Mi obra hace referencia a un proceso de introspección diferente al de otros porque la voz no se dirige hacia una misma. A través de las obras, voy construyendo una conversación sobre la transformación del ser.

La metamorfosis que presento en mi prepuesta alude al cambio que atraviesa la protagonista, un tránsito que, partiendo de la confusión y el miedo camina hacia una etapa de aceptación y de liberación. En ese proceso, la soledad deja de percibirse únicamente como algo negativo y se convierte en un espacio de transformación y aceptación desde lo personal.

 ¿Por qué el color verde?

Además de ser un color que me gusta demasiado, en este proyecto busco, transmitir una atmósfera etérea y onírica, casi de ensueño. Y, después, de realizar distintas pruebas llegué a la conclusión de que el verde era el más adecuado para esta serie.

A este color le sumé el naranja rojizo, el color complementario, para destacar ciertos momentos clave dentro de la propuesta.

¿Qué nos puedes comentar de los mundos de tu propuesta?

Los mundos, que aparecen en cada obra, se sitúan en un punto intermedio entre lo real y lo onírico; están construidos con muchos símbolos.

Algunos de los elementos más recurrentes son insectos como las   polillas, mariposas, cucarachas y libélulas, ya que me inspiré en el cambio radical que los mismos experimentan a través de la metamorfosis. Las nubes, acentúan ese mundo etéreo y surreal en el que la chica que represento se encuentra, casi suspendida.

Además, la mayoría de los espacios son interiores, como habitaciones, baños, salas; estos reflejan la intimidad de la protagonista. Sin embargo, estos ámbitos, también evolucionan conforme el personaje se transforma.

 ¿Cómo es tu proceso creativo?

Mi proceso comienza con el planteamiento del concepto: planifico lo qué deseo transmitir y concibo la forma cómo voy a desarrollar mi trabajo. Partiendo, de estas premisas, investigo referencias y reúno imágenes, si no encuentro las apropiadas, creo mis propios recursos visuales. Luego, estructuro el boceto en mi mente y organizo las ideas que llevo a cabo en el boceto a lápiz. Finalmente, paso a la ejecución del cuadro, es un proceso en el que la obra puede ir cambiando.

 ¿Qué planes tienes a futuro?

A futuro, me interesa seguir desarrollando mi trabajo artístico, continuar explorando nuevos temas relacionados con lo emocional, lo onírico y la identidad. También, busco participar en más exposiciones colectivas e individuales y expandir más mi trabajo.

Del mismo modo me interesa involucrarme en la gestión cultural y en la creación de espacios o eventos que impulsen a artistas, sobre todo a los emergentes, busco dar origen a una comunidad artística que tenga nuevas miradas y oportunidades dentro del arte y la cultura A pesar de que la cultura es un rubro complejo y muchas veces poco valorado, considero fundamental que no se pierda, es importante seguir incentivando tanto a los artistas como al público a consumir y apoyar el arte.

“Soliloquio de una Soledad: Metamorfosis del Ser” los espera para llevarlos a un universo de mundos oníricos que los liberen, al menos por un instante de la lógica de la razón y las normas sociales invitándolos a soñar. La exposición los espera en Calle Santa Catalina 101- Cercado   ¡Todos son bienvenidos!