Tom Clancy, el escritor estadounidense de novelas cargadas de espionaje, geopolítica y tecnología militar llevadas a la pantalla grande de los cinemas, publicó a inicios de los noventa la titulada La suma de todos los miedos, que voy leyendo de a pocos.

Dos citas anteceden esta historia de crisis nuclear. Una pertenece a Winston Churchill, que da título al libro: “En verdad, si tomamos al más valiente de los soldados, al más intrépido de los aviadores y al soldado más audaz, y los sentamos juntos a una misma mesa, ¿qué obtendremos? La suma de sus miedos”. La segunda cita es de Herman Khan: “Los dos adversarios se encontraron para negociar en el campo de Camlan, con todas sus tropas. Ambos bandos estaban plenamente armados y sospechaban desesperadamente que el opuesto intentaría alguna treta o estratagema. Las negociaciones marchaban bien, hasta que uno de los caballeros fue picado por un áspid y desenvainó la espada para matar al reptil. Los otros, al ver la espada desenvainada, cayeron inmediatamente los unos contra los otros. Siguió una tremenda matanza. La crónica… es bastante específica con respecto a que la matanza fue excesiva principalmente porque la batalla se llevó a cabo sin preparativos ni premeditación”. Con estas citas por delante, las horas de lectura están bien invertidas. 

Que otros hablen de la trama. A mí, en lo personal, me intrigan los engranajes y acoplamientos usados para poner en funcionamiento su historia hasta las palabras finales: capítulos numerados, segmentos de difícil rastreo, escenas sucesivas (posiblemente a, b, c, d) y alternadas, personaje que dicen lo contrario a lo que piensan, escenarios militares, negociaciones de alto nivel, explosiones y referencias históricas a las guerras libradas en el medio oriente que aportan veracidad a la ficción. 

Un libro que, al final de su lectura, ocupará un respetable lugar en la biblioteca de la casa, cerca de los de historia, geopolítica y relaciones internacionales. Y después a mirar la película.

Julio Romero de Torres, es un eminente Maestro de la Pintura Española, que se adhirió a los postulados estéticos del Simbolismo,  de la Generación Novecentista y del Movimiento Modernista. Representó, sobre todo, a la mujer del sur de España, a la mujer   gitana plasmando en su producción el mágico universo del flamenco y la tauromaquia antigua de los andaluces. Su paleta, se caracteriza por sus tonos oscuros.

El maestro español destaca por la precisión de su dibujo, por sus geniales composiciones en las que se equilibran los tonos negros y en algunos casos, también, los azulados y los verdosos. En el desarrollo del estilo del gran pintor andaluz se distinguen dos  etapas: La primera está marcada por el Realismo Social, su estilo primigenio, oscila entre el Impresionismo y el Modernismo, la segunda por el predominio del Simbolismo con una influencia manierista. En este segundo período de su desarrollo profesional es cuando el pintor  alcanza su plena madurez como artista.    

Romero de Torres vino al mundo en una ciudad milenaria, que fue por siglos uno de los centros culturales más importantes del mundo,  otrora capital del Califato de Occidente, la madrugada del 9 de noviembre de 1874 en la plaza del Potro. Fue, su padre, el conocido pintor y restaurador don Rafael Romero Barros y su madre fue Doña Rosario de Torres Delgado, quien, tenía también, amplios  y diversos conocimientos sobre arte y supo inculcar en su hijo el amor por la pintura. Estudió la secundaria en el Instituto Góngora de Córdoba, la tierra de sus ancestros, y también realizó entre 1884 y 1890 estudios en el Conservatorio de Música de su ciudad natal. Además, recibió clases de dibujo y pintura en la Escuela Provincial de Bellas Artes de la ciudad y paralelamente en el taller de pintura de su padre quien era Director del Museo de Bellas Artes de Córdoba.

En 1890, Romero de Torres, a la tierna edad de 16 años, ejecuta “La Huerta de Morales” (óleo sobre lienzo, 40 x 36 cm, colección particular, 1890) una obra de estilo costumbrista que representa  un lugar de los alrededores de Córdoba. La pintura pertenece a la etapa formativa del pintor.

En 1895, el joven pintor andaluz, logró una Mención Honorífica en la Exposición de Bellas Artes de Madrid con su pintura “Mira qué bonita era” (Óleo sobre lienzo, 148 x 213 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España, 1895) La pintura reúne los tres grandes temas del maestro: la mujer, la muerte y el sentimiento de la copla de Andalucía.

En 1897, el pintor cordobés, se hizo acreedor a la Tercera Medalla en la  Exposición  Nacional de Bellas Artes con su cuadro “Conciencia tranquila” (óleo sobre lienzo, 310 x 225, Museo de Arte Reina Sofía, 1897) una pieza en la que representa a un obrero esposado mientras un juez registra su casa. La obra se enmarca en el contexto del Realismo Social.

En 1899, Julio Romero de Torres, conoció a  Francisca Pellicer López, hermana de Julio Pellicer, escritor y amigo del pintor, entablaron una amistad que pronto derivó en amores y en un embarazo no deseado.  Julio, tenía 24 años y Francisca, tan solo 18. Indignado por la situación, Julio Pellicer, le dijo a Romero apuntándolo con su pistola: “O  te casas con mi hermana o te mato”, poco después, los dos muy enamorados se casaron. El matrimonio tuvo tres hijos: Rafael, Amalia y María de los Ángeles.   

El pintor, asumió en 1902 el cargo de docente como Maestro Numerario de la Escuela de Artes y Oficios de la ciudad de Córdoba teniendo un buen desempeño desde el inicio de su labor como profesor. En 1903, solicitó permiso en la institución para realizar varios viajes con el fin de ensanchar sus horizontes artísticos.

Viajó a Marruecos buscando un encuentro con el colorismo local. Pintó en dicho país “La monta” y “Calle Tánger” En 1904, estando en París, entró en contacto con el Modernismo y el Simbolismo que tanto  influyeron en la evolución de su pintura, de modo particular en su lenguaje alegórico y metafórico.

Entre 1905 y 1913,  ejecutó “Poema de Córdoba” (óleo y temple sobre lienzo, 88 x 514 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España)  un magistral  retablo que se constituye en una verdadera carta de amor visual a la tierra que lo vio nacer. En la obra  se vale de la figura de la mujer para representar el espíritu y la historia de Córdoba, la hermosa y antigua ciudad construida por los árabes en la ribera del Guadalquivir.

La obra está constituida por ocho paneles en los que el pintor andaluz representa a ocho mujeres que a modo de alegorías simbolizan las diferentes realidades históricas, religiosas y culturales de la ciudad: la Córdoba Guerrera, La Córdoba Barroca, la Córdoba Judía, la Córdoba Cristiana, la Córdoba Romana, la Córdoba Religiosa y la Córdoba Torera.

En 1908, Julio Romero de Torres, ejecutó “La musa gitana” (óleo sobre lienzo, 97 x 158 cm, Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid, España, 1908) una pintura famosa que representa a Ana López, una muchacha de Córdoba, que vendía flores en los cabarés de la ciudad. Su posición reclinada y su mirada desafiante fueron causa de escándalo en la época. La pieza tiene la influencia de Tiziano, de Goya y Manet. Con la pintura ganó la Medalla de Oro en la Exposición Nacional de Bellas Artes.

En 1911,  el gran pintor ejecutó el cuadro “Retrato de Adela Carbone” (óleo sobre lienzo, 166 x 103 cm, colección privada) conocido también como “La Tanagra”  representa a la actriz del mismo nombre sujetando una figura de terracota que fue hallada en Tanagra, Antigua Grecia.

En 1912, Romero de Torres, pintó “Nuestra señora de Andalucía” (óleo y temple  sobre lienzo, 169 x 200 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba España) una interesante pintura en la que están presentes cinco personajes. La composición es de tipo piramidal y representa en el centro a María la sastra que en la obra simboliza a la mujer de Andalucía. A la derecha,  sosteniendo de rodilla parte del mantón blanco hay un personaje femenino que representa a María Casena y simboliza el cante y a la izquierda, también de rodillas aparece la bailaora llamada La Cartulina que representa el baile flamenco. Detrás de ella hay un hombre ataviado con el sombrero cordobés de pie, es Junillo, el chocolatero que tiene entre sus manos una guitarra, simboliza la música. El personaje de la esquina inferior es el pintor.   

En 1916, fue incorporado en la plana docente de la Real Academia de San Fernando de Madrid como Profesor de Dibujo y Vestimenta Antigua. En la prestigiosa institución sus amplios conocimientos de las técnicas de la pintura le granjearon la admiración de diversos pintores costumbristas y simbolistas.  

Hacia 1922 pintó “Cante hondó” (mescla de óleo y temple sobre lienzo, 168 x 141 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España) una extraordinaria pintura que tiene en el centro de la composición es una mujer con mantilla que sujeta una guitarra. La pieza inspirada en el famoso Concurso de Cante Jondo que se realizó en Granada el año que la pintura fue realizada, representa la lírica popular andaluza.

En 1928, ejecuta “La Virgen de los Faroles” (óleo sobre lienzo, 160 x 107 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España) una obra en la que se entremezcla el Simbolismo popular de Andalucía con el arte religioso. La obra se pintó a solicitud de Rafael Cruz, el alcalde de Córdoba, quien hizo este importante encargo para ocupar un retablo exterior del muro de la Mezquita – Catedral. Hoy se exhibe en el museo que lleva el nombre del artista.    

Ulteriormente, el pintor ejecutó “Fuensanta” (óleo y temple sobre lienzo, 100 x 80 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España, 1929): Retrata a una mujer con los brazos apoyados sobre un caldero de cobre, el personaje tiene una mirada seria y profunda. En la pieza  el manejo de la luz y el color señalan un estilo propio.

Entre 1929 y 1930, el pintor español ejecutó “La chiquita piconera” (óleo al temple sobre lienzo, 100 x 80 cm, Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, España), la obra cumbre del maestro cordobés. La retratada de nombre María Teresa López es una niña de 14 años  que es representada frente a un brasero de cobre. Tiene la mirada fija en el espectador, tras ella hay una puerta abierta que muestra parte del paisaje natural y urbano de la ciudad.

Romero de Torres, con tan solo 55 años, partió a la eternidad la noche del 10 de mayo de 1930 como consecuencia de una  enfermedad en el hígado que lo llevaba aquejando tiempo después de culminar su famosa pintura “La Chiquita Piconera”,  sus restos descansan en el cementerio San Rafael de la ciudad de Córdoba, España. Su deceso causó un enorme impacto en el mundo de la cultura en España y Europa.  

Julio Romero de Torres es un pintor simbolista que tiene un dibujo preciso, una extraordinaria habilidad para representar con gran sensualidad la figura humana, de modo particular la de la mujer andaluza envolviéndola en un halo de misterio. Su pincel, es capaz de transformar la realidad en alegoría.

El famoso poeta y dramaturgo Ramón del Valle Inclán expresó al referirse a Julio Romero de Torres y su obra: “Su pintura busca la verdad del espíritu y de la memoria por encima de la realidad visual. Para el pintor cordobés, el arte es como una emoción duradera”.  

La jornada incluirá degustaciones, homenajes y expresiones artísticas ligadas a la cultura picantera

La chicha de guiñapo es el aliento histórico que sostiene la identidad picantera, reconocida desde 2014 como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación. Este viernes 7 de agosto, el corazón del Centro Histórico volverá a llenarse de tradición con la celebración de la XIV Fiesta de la Chicha, una edición que tomará la Plaza de Armas desde las 11:00 hasta las 15:00 horas.

La jornada busca poner en valor toda la cadena productiva que hace posible el arte culinario mistiano. En esta oportunidad, la fiesta gastronómica contará con la participación de 27 picanterías emblemáticas, las cuales ofrecerán degustaciones de chicha tradicional acompañada de jayaris y potajes autóctonos como variedad de torrejas, sarzas, matasca de panza, ocopa de tolinas y locro.

El programa de este año añade un componente de emotividad y preservación cultural al rendir tributo a los agricultores y productores de guiñapo, así como a la picantería «Los Guisos Arequipeños» en el marco de sus 30 años de trayectoria culinaria. La música y las letras de la tierra también tendrán un espacio estelar con la presentación de poesía loncca y música tradicional a cargo de artistas locales como María Antonieta Dávalos, El Montonero, Rafael Toledo y Juan Mario Meza.

Iniciada en 2013, la Fiesta de la Chicha se ha consolidado como un hito imperdible en el calendario cultural y turístico de la ciudad. Más allá del festín de sabores, este encuentro representa la resistencia y transmisión intergeneracional de un legado vivo que continúa convocando a locales y visitantes en torno a la mesa arequipeña.

Llegué unos minutos antes y aproveché para buscar una mesa que estuviera un poco alejada de los murmullos tan característicos de los cafés. La encontré y me senté, y poco después llegaría Enrique Victoria Obando, hasta hacía unos días director de la Orquesta Sinfónica de Arequipa (OSA). Lo acompañaba Emily, su esposa.

El papá de Enrique es el cantante de ópera Amílcar Victoria y su mamá, Elizabeth Obando, es poetisa y, además, toca el piano; diría que por eso nació en él el amor por el arte y, en especial, por la música. «Comencé a tocar el violín a los cuatro años. Con el tiempo, me empezó a gustar más y entré al conservatorio Duncker Lavalle, que entonces era la escuela de música; allí estuve hasta los doce o los trece años. Además, tuve clases particulares con la maestra Milagros Bedoya y la suerte de estudiar violín con la maestra rusa María Foust, quien había llegado a Arequipa y ahora es concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional, y también con el maestro rumano László Benedek». Sus padres, músicos, y las oportunidades que tuvo a tan corta edad construyeron el camino que pronto Enrique tomaría.

«Cuando estaba por terminar el colegio, decidí que iría al extranjero a estudiar música. No teníamos mucha información, pero investigando me enteré de un conservatorio en España». Sin embargo, Enrique no llegó a conocerlo, pues encontró el conservatorio de Puerto Rico y con tan solo dieciséis años decidió subir a ese avión.

Estudió violín durante cuatro años en Puerto Rico y luego sería Estados Unidos su nuevo destino para estudiar una maestría en Viola y otra en Dirección de Orquesta. Y su trayectoria musical empezaba a despegar. «Cuando estaba haciendo mi primera maestría ingresé a la Orquesta de las Américas para tocar la viola. La orquesta tiene su base en Estados Unidos, pero hacen giras por todo el mundo cada año: China, Brasil, Colombia, Ecuador…». Y Emily interrumpe la enumeración de países para resaltar lo que Enrique no contaría: entrar a la Orquesta de las Américas es muy difícil, por ejemplo, cada año solo hay tres puestos para músicos de Perú. Y con una sonrisa, Enrique continúa su relato: «Eso fue cuando estaba haciendo la maestría en Viola, estar en la orquesta y ver a excelentes directores me hizo pensar en la dirección. Siempre me gustó la dirección, pero fue en ese momento que decidí tomarla profesionalmente».

Violín, viola y dirección de orquesta. Y rápidamente me di cuenta de que para Enrique la música no era un gusto, era una pasión; entonces le pregunté a qué edad decidió que la música no sería su hobby, sino más bien su vida.

«En algún momento, cuando tenía doce o trece años, solo quería hacer eso, me encantaba tocar y fue a esa edad que decidí tomarlo profesionalmente. Aunque mi papá me decía que a la par podría estudiar algo más. En Perú, ese temor siempre existe, porque aquí no hay mucho espacio laboral. Veo mucha actividad cultural, pero ¿cuántos lo hacen ad honorem y cuántos lo hacen como trabajo? En el país hay cuatro orquestas sinfónicas: Trujillo, Lima, Arequipa y Cusco. Solo cuatro orquestas en un país con cerca de treinta y cinco millones de habitantes. Así, los papás se van a seguir preocupando».

Entonces, le pregunto a Enrique qué se podría hacer si existieran los recursos y me explica tres posibilidades:

«El Ministerio de Educación y el Ministerio de Cultura deben trabajar de la mano para tener en los colegios a profesores de Música egresados de Música; en muchos colegios, el profesor de Música es también el de Matemáticas. Es necesario crear más orquestas a nivel nacional; solo en Arequipa, la Orquesta Sinfónica no se da abasto para llegar a todo el público que tenemos porque sí hay mucho público, pero ¿qué pasa en las provincias donde no hay acceso? Hay que crear otras orquestas: la Orquesta Sinfónica de Islay o de La Unión, por ejemplo. La música es un tema de salud pública y de sensibilización. En Lima, se están creando orquestas, como la de Lima, San Miguel, Jesús María, y no ad honorem; buscan empresas privadas y aquí tiene que pasar eso. Las municipalidades podrían involucrarse no solo con orquestas, sino también con bandas sinfónicas y coros. El ad honorem tiene que desaparecer».

Enrique repara en que nos alejamos mucho de lo que me contaba, entonces, volvemos a la Orquesta de las Américas. Me explica: «Se audiciona cada año. Se termina la gira y se tiene que volver a postular. Estuve con esta orquesta cinco años consecutivos. Lo disfruté mucho, con ellos toqué en el Carnegie Hall, fue muy importante para mí». Y diría yo que no solo importante para él, sino para la ciudad: saber que un arequipeño tocó en el Carnegie Hall solo engrandece el orgullo que sentimos por Arequipa.

«Me gradué de las dos maestrías y regresé de vacaciones, solo de vacaciones pues ya me habían aceptado en Louisiana para hacer un doctorado. Y en ese tiempo salió una convocatoria aquí, en Arequipa, para director asistente de la Orquesta Sinfónica. Postulé, me aceptaron, decidí probar un año y me quedé catorce. Los últimos diez años he sido director titular. Pero acabo de renunciar porque nos vamos a vivir a Estados Unidos». Y ese «nos» se refiere a su esposa y Emilia, su pequeña.

Recordamos que nos habíamos visto hacía dos años, poco antes de su viaje a Estados Unidos, precisamente. «Me fui a hacer un posgrado en Dirección de Orquesta en la Catholic University of America, en Washington D. C., y pedí una licencia en la Orquesta Sinfónica de Arequipa. Estuve allá dos años y en cuanto regresé me invitaron a hacer en Lima un ballet con la Orquesta Sinfónica Nacional y el Ballet Nacional. Al regresar a Arequipa, tuve un concierto con la OSA y esa fue mi despedida. Ahora vuelvo a Washington D. C. para hacer un doctorado, dar clases de orquesta y dirigir una orquesta juvenil en Virginia». Noto fácilmente que aún no se ha ido y ya extraña Arequipa, porque se apura a agregar: «Los músicos somos gitanos y no descarto que la vida me traiga de vuelta. Sueño con hacer muchas cosas aquí. En Arequipa, no tenemos la infraestructura para hacer ópera o ballet, se necesita voluntad política para modernizar el Teatro Municipal o crear uno nuevo. Es inconcebible tener una ciudad como Arequipa y que no haya un lugar apropiado para musicales, por ejemplo». Así me cuenta Enrique de muchos espectáculos que se podrían traer a Arequipa si existiera la infraestructura adecuada, y le pregunto con curiosidad qué proyectos haría él si existieran —o cuando existan— los espacios idóneos y con entusiasmo me responde: «Explorar la ópera y la zarzuela, que es en español, y también musicales. Que estas experiencias sean el entretenimiento para ir con la novia, con la familia».

Ha sido una conversación muy grata con Enrique. Al terminar, me dice que se siente muy agradecido con el Ministerio de Cultura y que se va con una excelente relación con los músicos de la OSA, y enfatiza: «Espero algún día regresar». Y después de esta conversación tan cálida y bonita, sé que esto último es realmente su deseo.

EN 486 ANIVERSARIO

La Plaza de Armas volvió a convertirse en el principal escenario de las tradiciones arequipeñas con el inicio de los concursos de tallado en sillar, fierro forjado y repujado en cobre y cuero, certámenes que reúnen a más de 80 artesanos y que forman parte de las actividades centrales por el 486.° aniversario de la fundación española de Arequipa. Durante tres días, los participantes elaborarán sus obras frente al público, reafirmando el valor de los oficios que dieron identidad a la Ciudad Blanca.

Organizados por la Municipalidad Provincial de Arequipa, los concursos se desarrollan en el Portal de San Agustín y buscan fortalecer la conservación del patrimonio cultural mediante la promoción de técnicas artesanales que, pese al paso del tiempo, continúan vigentes gracias al trabajo de familias dedicadas a estos oficios. La exhibición permite a vecinos y visitantes observar de cerca el proceso creativo de cada pieza.

La presente edición reúne a exponentes de cuatro disciplinas profundamente ligadas a la historia local. El tallado en sillar concentra el mayor número de participantes, seguido por el repujado en cuero, el repujado en cobre y el fierro forjado, expresiones que forman parte del paisaje arquitectónico, artístico y tradicional de Arequipa desde hace varios siglos.

Uno de los aspectos más destacados del certamen es la creciente participación de mujeres y jóvenes artesanos, quienes vienen incorporándose a especialidades que históricamente estuvieron dominadas por maestros de larga trayectoria. Para los organizadores, este relevo generacional representa una garantía para la continuidad de técnicas que constituyen parte del patrimonio material e inmaterial de la ciudad.

Cada obra deberá inspirarse en el tema «Costumbres y tradiciones de Arequipa», por lo que los concursantes representarán escenas cotidianas, personajes, festividades y expresiones culturales propias de la región. Un jurado especializado evaluará criterios como creatividad, dominio técnico, composición, acabado y fidelidad al tema antes de elegir a los ganadores.

La Subgerencia de Turismo y Comercio Exterior de la comuna provincial destacó que estos concursos no solo reconocen el talento artesanal, sino que acercan el patrimonio cultural a la ciudadanía, permitiendo que las nuevas generaciones conozcan técnicas que durante décadas han dado prestigio a Arequipa dentro y fuera del país.

Los asistentes podrán recorrer los espacios de trabajo instalados en la Plaza de Armas y observar cada etapa del proceso artesanal, desde el diseño inicial hasta el acabado final de las piezas. Esta interacción directa con los maestros artesanos convierte a la actividad en una experiencia cultural que trasciende la competencia y fortalece la valoración del trabajo manual.

Las competencias forman parte del programa oficial del mes jubilar, que continuará con diversas actividades artísticas y culturales. Entre ellas figura el Corso Descentralizado, programado para este fin de semana, donde agrupaciones folclóricas de distintos distritos exhibirán danzas tradicionales como antesala al Corso de la Amistad.

Posteriormente, el 15 de agosto, Arequipa celebrará el Corso de la Amistad, considerado el principal espectáculo del aniversario de la ciudad, con la participación de delegaciones culturales, instituciones y agrupaciones artísticas que recorrerán las principales vías mostrando la riqueza cultural y folclórica de la región.

RESALTAR

Más que una competencia, los concursos de sillar, fierro forjado y repujado representan una manifestación viva de la identidad arequipeña. Cada obra elaborada durante estas jornadas refleja el conocimiento acumulado por generaciones de artesanos que han convertido estos oficios en símbolos de la ciudad y que hoy encuentran en nuevas manos la oportunidad de preservar un legado que distingue a Arequipa ante el país y el mundo.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES

MIÉRCOLES 5 DE AGOSTO

CONCIERTO DE GALA: “CONMEMORANDO LOS 120 AÑOS DE LA GLORIOSA BANDA DE LA GUARDIA REPUBLICANA”
Hora: 18:00 h
Lugar: Teatro Municipal, calle Mercaderes N.° 239
Organiza: Municipalidad Provincial de Arequipa y Asociación de Oficiales de la Gloriosa Guardia Republicana del Perú.
Responsable: Subgerencia de Educación y Cultura.

EXPOSICIÓN INDIVIDUAL “AREQUIPA PUNTO DE PARTIDA”, DE EVARISTO CALLO
Horario: 9:00 a 15:00 h
Inauguración: 19:00 h
Lugar: Casa Museo, Centro de Extensión Cultural San Lázaro 120
Organiza: Municipalidad Provincial de Arequipa – Gerencia de Educación y Cultura.

JUEVES 6 DE AGOSTO

CURSOS CORTOS DE CANTERÍA Y JARDINERÍA “TALLERES Y SABERES”
Hora: 9:30 h
Lugar: Plaza de Armas
Organiza: Centro Escuela Taller Arequipa / Gerencia del Centro Histórico y Zona Monumental.
Responsable: Hugo Gómez.

MISA DE ANIVERSARIO EN HONOR AL SEÑOR DE LA CAÑA
Hora: 14:00 h
Lugar: Parroquia del Señor de la Caña, Cayma
Organiza: CODEFEASA
Responsable: Roberto Velásquez.

INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN “FOTOTECA COMUNITARIA DEL YARAVÍ”
Hora: 18:00 h
Lugar: Galería de la Alianza Francesa de Arequipa
Organiza: Alianza Francesa de Arequipa.
Responsable: Luis Ramos.

Los historiadores de Arequipa están para decirnos qué fuimos en el pasado, para entender lo que somos hoy y ver qué podemos hacer con nuestro futuro. Ese es su papel, sin embargo, pocos lo asumen con el rigor y la claridad de José Víctor Condori (nacido en Ilo, 1968).

Hace algún tiempo Condori respondió en una entrevista algunas ideas que nos parecen totalmente vigentes, por eso las reproducimos en víspera de las fiestas regionales.

Willard Díaz.- Tu artículo «Sociedad, identidad y regionalismo en Arequipa, 1780-1830» sugiere que desde antes de la Independencia Arequipa ya se fue caracterizando por su regionalismo. ¿Es cierto esto? ¿Piensas que la identidad arequipeña reside hasta hoy fundamentalmente en su marcado regionalismo?

Víctor Condori.- Efectivamente, el regionalismo arequipeño es una construcción colonial y comenzó a manifestarse principalmente entre la élite local hacia fines del siglo XVIII. La primera expresión, a mi entender, fue la llamada “Rebelión de los Pasquines” de 1780, en la cual comerciantes y hacendados se unieron con la población a fin de rechazar no solo la introducción de nuevos impuestos, sino también a la burocracia limeña que llegó con ella.

La identidad arequipeña está determinada por diferentes factores: el clima, la geografía, la comida, la arquitectura y las tradiciones juegan un papel vital; sin olvidar su historia política de revoluciones anticentralistas, levantamientos, protestas y “arequipazos”. No obstante, también creo que la fuerza de esa identidad se ha venido perdiendo en estos últimos años.

WD.- Mariátegui en el sexto de sus «Siete ensayos» dice que el regionalismo en el sur del Perú no es más que la expresión de «un vago malestar y un descontento». A estas alturas del desarrollo de las ciencias sociales, ¿podríamos definirlo mejor?

VC.- El regionalismo es una característica de nuestra historia y se presenta incluso antes de la llegada de los españoles; por ello, a pesar de su enorme poder la administración Inca nunca pudo constituir un estado nacional; quizá ese tampoco era su objetivo.

Durante la colonia el estado español intentó simplificar las cosas dividiendo la sociedad en dos repúblicas: españoles e indios. Pero a la larga no logró ni integrar a los indios ni evitar el localismo de los españoles.  Así, al inicio de la República ya estaban claramente definidas dos regiones, el norte y el sur; y dentro del sur, arequipeños y cuzqueños.

Por ello, creo que el regionalismo en el sur del Perú y particularmente en Arequipa no solo es una expresión de “un vago malestar y un descontento” como señaló Mariátegui, sino también un recurso fundamental para preservar su identidad y, claro está, también los intereses políticos y económicos.

WD.- En tu artículo dices que nuestra identidad regionalista es debida al tipo de economía que se desarrolló en Arequipa: agrícola, apegada a la tierra; a diferencia de Lima que se basaba en “los favores reales”. Eso produjo una “mayor cohesión familiar” y un “anticentralismo” característicos. Me pregunto, ¿otras ciudades del virreinato no tuvieron las mismas características?, ¿por qué solo nosotros?

VC.- Si bien muchas regiones del Perú tuvieron un desarrollo económico muy parecido al de Arequipa, la diferencia, creo yo, estuvo en su composición social y la manera como sus diferentes grupos interactuaron a lo largo del tiempo. Considero que es muy importante tener en cuenta que la población de la ciudad a fines del siglo XVIII tenía un 71.4% considerada como “española”, la más alta de la colonia; y si bien estuvo agrupada en diferentes estamentos sociales, predominaba en ella un extenso sector medio, cuya movilidad e intereses lo vinculaban cercanamente con la élite y la plebe.

Precisamente, en esta sociedad más cohesionada se fue creando una comunidad de intereses y necesidades que fácilmente se alineaban cuando había que enfrentar cualquier situación que pusiese en riesgo la base del sustento de la mayoría de la población.

Un ejemplo dentro de muchos lo tenemos en la mítica “Rebelión de los Pasquines”, ocurrida en enero de 1780. En ella participaron diversos sectores de la sociedad arequipeña en una especie de “Santa Alianza” que se opuso a la introducción de nuevos impuestos reales, como “el nuevo impuesto del aguar-diente” (que cargaba con un 12% la producción local) o el aumento de la alca-bala (cobrado a la compra y venta de mercancías). Dichos gravámenes atentaban directamente contra los intereses de productores, comerciantes, arrieros, taberneros, chicheras y consumidores. No es extraño entonces, que todos ellos tuvieran razones para unirse, en contra de dichos impuestos.

En la medida que los intereses fueran comunes, era entendible una sólida respuesta de grupo, por lo mismo, alcanzó una mayor sonoridad a nivel nacional.

WD.- Encontré en tu artículo un dato curioso: según la visita colonial de 1792 éramos 22 030; y dos páginas más allá se dice que según Trabada en 1752, cuarenta años antes, había en Arequipa cerca de 3 000 chicherías. ¡Casi una chichería por cada siete personas! ¿Estoy en lo correcto?

VC.- Este dato proviene de la crónica del padre Travada y Córdova escrita en 1752, y pueda que tenga alguna exageración; sin embargo, en 1833 el cura José María Blanco en su “Diario del viaje del Presidente Orbegoso al sur” contó más de 2 000 chicherías en la ciudad y sus alrededores.

Sea cual sea el verdadero número, es bien conocida la importancia de las chicherías arequipeñas en la construcción de la identidad local. No solo fueron espacios habituales de socialización, sino también centros de difusión e intercambio de noticias y rumores, e incluso de conspiraciones políticas. Y por el lado negativo, aquí también se tramaban numerosos actos delictivos.

WD.- César Félix Sánchez, un profesor de filosofía agustino, sostiene que Arequipa fue más bien realista en las guerras de la Independencia; pero tú afirmas que fue “pragmática” y “oportunista”. Como fuera, son todas cualidades negativas, ¿no?

VC.- El supuesto “realismo” de Arequipa tiene su origen en esa imagen maniquea que algunos tienen de creer que durante las guerras de Independencia solo hubieron patriotas y realistas. Como Arequipa no se manifestó abiertamente a favor de los movimientos patriotas y juró la independencia recién el 7 de febrero de 1825, se le etiqueta de esa manera.

Brian R. Hamnett, un investigador del periodo, señala al respecto que “este proceso no era de ninguna manera claro y la gente que vivía en esta época estaba llena de dudas y temores, tenía perspectivas e intereses particulares y cambiaba frecuentemente de mente y de bando”.

A través de nuestras investigaciones hemos encontramos durante esta época una sociedad más bien comprometida con la preservación de sus propios intereses, antes que los del rey. Por ello la calificamos no de “realista” sino de “pragmática y oportunista”.

En cuanto a si fue positiva o negativa dicha actitud o conducta política, eso depende de las circunstancias que se vivían.

Cuando en agosto de 1823 el general Sucre ingreso a la ciudad con 3000 soldados colombianos la ciudad no fue saqueada porque demostró “sinceros” sentimientos patrióticos y un mes después recibía al virrey, con el mismo entusiasmo y algarabía como si se tratase de una ciudad española.

Quizá por ello Bolívar afirmaba sobre Arequipa “es el pueblo que menos ha sufrido por la patria, y el que menos la quiere”.

WD.- Tal vez el problema es que desde Arequipa no se advierte la necesidad del Estado-nación, que por naturaleza es centralizado, burocrático, hegemónico. ¿Cuál es la alternativa: ¿separatismo?, ¿anticentralismo?, ¿democracia radical?

VC.- La construcción de un verdadero Estado-Nación será siempre una tarea pendiente para los peruanos, en un país que ya de por sí es multilinguista, multiénico  y pluricultural; más aún, si existen fuertes localismos como el cuzqueño o el arequipeño.

Yo creo que la alternativa será siempre constituir macro regiones como una forma de enfrentar ese centralismo hegemónico que se alimenta de nuestras pequeñas diferencias. Pero ello implicara resolver primero nuestras discrepancias y afanes hegemónicos.

WD.- Finalmente, estamos hablando de la identidad regionalista como si esta fuera monolítica, única. Lo cual requiere la hipótesis de que aquí todas las clases y los grupos forman uno solo. ¿Crees que es posible esa síntesis?

VC.- Alguna vez un historiador señaló que el Perú era como un mosaico “donde lo que nos une es lo que nos desune”. Creo que ahí está la clave para entendernos como país y entender las diversas identidades que existen. Más o menos como sucede en España, donde observamos diferentes comunidades: catalanes, gallegos, vascos, canarios; con diferentes tradiciones y hasta lenguas, pero por encima de todo ello son españoles. Entendernos en nuestra diversidad, con nuestras particularidades e idiosincrasia, pero como parte de una misma nación es el gran reto del futuro.

La Feria Perú, Mucho Gusto Tacna 2026 cerró con un balance altamente positivo al recibir más de 215 000 visitantes, entre ellos 12 000 turistas extranjeros, consolidándose como uno de los principales eventos gastronómicos y turísticos del país. La actividad, organizada por PROMPERÚ con el apoyo de la Municipalidad Provincial de Tacna, se desarrolló durante cuatro días en el marco de las celebraciones por Fiestas Patrias.

En su trigésima edición nacional y novena edición regional, la feria reunió a 162 expositores provenientes de las 25 regiones del Perú, quienes presentaron lo mejor de la gastronomía nacional, además de productos como café, cacao, bebidas tradicionales y artesanías. El evento también ofreció demostraciones culinarias, espectáculos artísticos y actividades para toda la familia, fortaleciendo la promoción del turismo interno y la identidad cultural del país.

PROMPERÚ destacó que la masiva asistencia tuvo un importante impacto económico para Tacna, beneficiando a hoteles, restaurantes, empresas de transporte, comercios y otros servicios vinculados al turismo. La llegada de miles de visitantes nacionales y extranjeros permitió dinamizar la economía local y reforzar el posicionamiento de Tacna como un destino clave del turismo fronterizo y gastronómico.

Durante la ceremonia de clausura se reconoció a los expositores más destacados por su aporte a la gastronomía, la innovación, la preservación de las tradiciones y las buenas prácticas de manipulación de alimentos. Los premios más esperados por el público quedaron en manos de representantes de Tacna.

El Premio al Plato Más Querido fue otorgado al Costillar de chancho a la caja china al vino, preparado por el Restaurante Ochoa, mientras que el Premio a la Bebida Más Querida recayó en Hechizo de Sama, del Waikiki Tiki Bar, ambos establecimientos tacneños.

Asimismo, el Premio a la Tradición fue para La Chayo (Piura), el Premio a la Innovación para Al Palo y la Parrilla (Ucayali) y el Premio al Desarrollo del Turismo Gastronómico para la Cevichería Cuchito (Áncash). La empresa Larevas, de Lima, recibió el nuevo reconocimiento a la Experiencia Regional, por transmitir la identidad cultural de su región.

En materia de inocuidad alimentaria, La Cusqueñísima Picantería y Sumac Chips, ambos de Cusco, obtuvieron el reconocimiento a las Buenas Prácticas de Manipulación de Alimentos, tras cumplir al 100 % los estándares sanitarios durante toda la feria.

PROMPERÚ agradeció el trabajo conjunto de expositores, productores, cocineros, artistas, instituciones públicas y privadas, así como de la Municipalidad Provincial de Tacna, resaltando que el éxito alcanzado reafirma a Perú, Mucho Gusto como una de las principales vitrinas para promover la gastronomía, la cultura y el turismo del país.

Misael Ramos, director del Festival, y su equipo de colaboradores están cerrando las invitaciones a las casas editoriales más importantes del país y a un selecto programa de artistas e intelectuales que nos visitarán en los diez días del festival, para dar conferencias y testimonios en las salas del Complejo Cultural de la Universidad Nacional de San Agustín. Entre los nombres confirmados están el narrador cusqueño Luis Nieto Degregori, el filósofo arequipeño Pablo Quitanilla, la poeta Ana María Gazzolo especialista en la poesía de Blanca Varela, el escritor Hernán Migoya, el ensayista José Carlos Agüero, el narrador J.J. Maldonado, y el historiador Víctor Condori.

Además, se presentará la edición facsimilar de la Revista Amauta, de José Carlos Mariátegui, publicada por los cien años de su creación.

Es desagradable comenzar un libro. Tengo muy claro el personaje y su situación, y un personaje en una situación es lo que tengo para empezar. Peor que no conocer el tema es no saber cómo tratarlo, porque lo es todo al final.

Mecanografío principios y son horribles, son más una parodia inconsciente de mi libro anterior que el punto y aparte que quiero que sea. Necesito algo que conduzca al centro del libro, un imán que lo atraiga hacia él… eso es lo que busco los primeros meses cuando escribo algo nuevo.

En ocasiones tengo que escribir cien páginas o más antes de que haya un párrafo vivo. De acuerdo, me digo, éste es el principio, empieza aquí; éste es el primer párrafo del libro. Paso los seis meses de trabajo siguientes y subrayo en rojo un párrafo, una frase, a veces no más de una oración, que tiene algo de vida en ella, y luego lo mecanografío todo en una página. Normalmente, no llega ni a una página, pero si tengo suerte, ése será el comienzo de la primera página. Busco la vivacidad para establecer el tono.

Después del horrible comienzo vienen los meses de rodaje libre, y después vienen los llantos, el volverse contra el material y el odiar el libro.

Cuestionan que dicha norma excluye a autodidactas y ponga en riesgo la libertad de creación.

La música que escuchamos camino al trabajo, las pinturas que disfrutamos en una exposición local, las obras de teatro que nos conmueven o las películas que nos hacen reflexionar el fin de semana; el arte, en todas sus formas, es el pulso vivo de nuestra cotidianidad. Sin embargo, la libertad de quienes crean ese entorno cultural hoy se encuentra bajo la lupa. La reciente promulgación de la Ley N.° 32645, que establece la creación del Colegio Profesional de Artistas del Perú, ha desatado una ola de indignación y preocupación en el sector. Lo que desde el papel legislativo se plantea como un intento de formalización, es percibido por los propios creadores como una herramienta burocrática, excluyente y con un alarmante trasfondo de control político e ideológico.

Las principales críticas de la comunidad artística se concentran en dos frentes urgentes: la obligatoriedad de contar con un título profesional para ejercer en un rubro históricamente marcado por el aprendizaje empírico y popular, y las facultades otorgadas a la nueva institución para «supervisar» e intervenir en las creaciones artísticas. Uno de los aspectos más cuestionados de la norma es la exigencia de un título profesional o de licenciatura para colegiarse y laborar formalmente. Desde la perspectiva de las organizaciones culturales en las regiones, esta medida desconoce por completo la realidad del país.

Hugo Riveros, director de Umbral Centro Cultural, explica de forma sencilla el problema de fondo. «El artista en el Perú, por lo general, no se ha preparado en aulas académicas, sino que ha recogido una gran cantidad de saberes, muchas veces ancestrales, para plasmarlos en su obra. Además, en la gran mayoría de ciudades del Perú ni siquiera existen escuelas oficiales de arte. Esta ley está completamente desconectada de la realidad regional y de la propia naturaleza del trabajo artístico» declara.

En esa misma línea, la artista plástica y fundadora del Colectivo Samo, Yurema Rodríguez recalca que, si bien la formación académica es valiosa, no puede convertirse en un requisito para trabajar. «El arte siempre ha sido un espacio diverso, donde conviven personas formadas en universidades con artistas autodidactas e independientes. Me preocupa que esta ley genere más barreras que oportunidades» explica.

Por su parte, la actriz, guionista y directora cinematográfica Key Campos califica la ley de «absurda», enfatizando que el valor artístico proviene de intangibles y no de un cartón. «Esta ley traerá problemas en la valía de muchos artistas. Considero que muchas personas van a elegir otros caminos y perderemos talentos que aportan enormemente a nuestra riqueza cultural», puntualiza la artista.

Desde la trinchera de la música independiente, Coco Herrera, baterista de reconocidas bandas de rock como Distorsión, Comfuzztible y Los Austin, además de encargado de Cine y Audiovisuales en el Centro Cultural de la UNSA, expresa su absoluto rechazo. «Como músico con más de 50 años en el rock, considero que esta ley es un despropósito. La música independiente se ha construido con pasión, rebeldía y autogestión en los escenarios, no en escritorios. Que el Estado pretenda imponer un filtro legal para validar quién es artista y quién no, es una falta de respeto a nuestra historia. Un cartón universitario no otorga el talento ni la trayectoria; esta norma solo crea una división artificial y elitista» expone con firmeza. El artículo 2 de la norma otorga al Colegio la potestad de «ordenar y supervisar el ejercicio profesional de las disciplinas artísticas», un punto que encendió de inmediato las alarmas sobre el riesgo de censura.

«Es ilógico tratar una profesión donde no hay reglas estrictas sobre cómo el artista debe o no realizar su trabajo, a diferencia de carreras como la salud o el derecho. Con esto se corre el riesgo de censurar todo tipo de expresión, sobre todo de quienes no tienen títulos» critica por su parte el artista visual Leonardo Zapata.

A su vez, la artista plástica y educadora Clara Best Núñez cuestiona el poder de interpretación que tendrá la directiva del nuevo colegio: «Dentro de lo más controversial está el regular las creaciones, pudiendo censurar y tomar acciones contra los creadores. Todo dependerá de quiénes dirijan la institución. Yo me pregunto: ¿en qué democracia se regula a los artistas y a su arte?»

«A lo largo de la historia en el mundo entero, el arte jamás ha sido fiscalizado. El único filtro o ‘control’ real que existe sobre una obra es el del propio público o cliente que la elige libremente. Pretender que el Estado controle qué se presenta o qué es arte destruye la libertad de expresión que lo caracteriza», enfatiza Hugo Riveros en cuanto a esta pretensión de control.

El director de teatro Jota Mirman coincide en que se trata de un mecanismo de freno a las propuestas críticas: «El Colegio de Artistas parece una herramienta disfrazada para limitar y frenar una expresión que debe ser libre y confrontativa. El arte está hecho para mostrar realidades que a veces incomodan o que no queremos ver». Otro reclamo generalizado es que la norma se elaboró en los despachos del Congreso sin escuchar a los gremios ni a las comunidades creativas. «Esta ley limita qué es arte y qué no es. Lo que claramente no ha tenido es una conversación previa con este tipo de espacios culturales», lamenta el joven actor Eduardo Agüedo, quien no hace mucho empezó en el mundo del arte y no piensa dejarlo.

Además del debate ideológico, existe una preocupación pragmática sobre los costos que implicaría esta medida. «Nos preocupa que en el futuro se exijan colegiaturas obligatorias para tocar, grabar o firmar contratos. Esto solo sumará costos, multas y papeleos innecesarios, ahogando los conciertos en vivo y las producciones independientes que ya de por sí trabajan contracorriente», advierte Coco Herrera.

De otro lado, la norma va en contra de los lineamientos de la Política Nacional de Cultura al 2030, documento oficial que garantiza el derecho a la creación sin importar los grados académicos. También se cuestiona que la ley incluya disposiciones que restringen quiénes pueden integrar las comisiones organizadoras, lo que para centros culturales como Umbral representa un manejo centralista y sujeto a intereses políticos coyunturales.

¿QUÉ NECESITA REALMENTE EL ARTE EN EL PERÚ?
Lejos de un ente fiscalizador, los voceros exigen fomento, descentralización y financiamiento real. Para Key Campos, la clave es el presupuesto descentralizado: «Más que un colegio, se necesitan presupuestos para su creación y preservación». Por su parte, Hugo Riveros enfatiza el potencial económico del sector y el rol que debería asumir el Gobierno: «La labor del Estado debe ser el estímulo y la gestión. Necesitamos presupuestos reales y desembolsables, no trabas».
Coco Herrera apunta a la protección social y el apoyo a la escena independiente: «El arte necesita políticas de fomento y un registro inclusivo que garantice salud y pensiones dignas. Requerimos más fondos concursables y menos trabas e impuestos municipales».

Ante este panorama, la comunidad artística se mantiene en alerta. Colectivos, centros culturales y gestores independientes exigen de manera unánime al Congreso y al Ministerio de Cultura la derogación de la Ley N.° 32645, defendiendo que el arte peruano debe seguir siendo un espacio abierto, incluyente y radicalmente libre.